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와이어로 만든 동물 조각상 - David Oliveira

포르투갈에서 활동하고 있는 아티스트 David Oliveira의 와이어 조각상. 와이어를 가지고 공중에 ‘그린듯한’ 조각상을 만듭니다. 종이에 그림을 그리듯 공중에 철사를 사용하여 조형물을 만드시는건데요. 현실속에서 착시효과를 불러 일으킵니다.
아티스트의 인물 조각상도 인상적이지만 David의 동물 조각상을 이번에 소개해드리려고 합니다.
David이 작업하는 조각작품은 특정 각도를 통해서만 제대로 작품을 감상할수 있습니다. 사진으로 찍으면 위에서 보시는것 처럼 펜드로잉을 해논듯한 느낌을 받게 됩니다.
원래 대학교때 전공은 조각이였고 그중에서 세라믹에 중점을 두었다고 하네요. 근데 졸업하고 세라믹말고 다른 재료들을 찾다가 와이어를 접하게됬고 거기에 흥미를 갖게 되어 artistic anatomy를 전공하고 석사학위를 땄습니다. 해부학이 전공이다보니 사람, 동물의 골격구조등을 정말 잘 표현해내시는것 같네요.
더 많은 작품은 - davidoliveira 개인 웹사이트
혹시나 이분 인물조각상도 궁금하실까봐 제가 개인적으로 좋아하는 작품 하나 추가로 올려봅니다
10 Comments
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오왕 .. 직접 주변을 빙빙 돌아가며 보고싶네요 ㅋㅋ
와이어가 아니라 그림인 줄 알았어요~ ^^ 너무 좋네요 ^^ 소개 감사합니다
캬... 금손...
드로잉 조각 이네요~^^
와^^대단한 손을 가진듯!!!
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분노의 진실
성경에서 모세는 완고한 백성들에게 분노하면서 바위를 내리치고 물을 내라고 소리를 질렀는데, 하나님은 그 분노로 인해 모세가 하나님의 영광을 가린 것을 지적하며 가나안 땅에 들어가지 못한다고 하였다. 이처럼 우리에게 분노는 매우 부정적인 감정으로 인식되어 있다. 분노는 참아야 하는 것이고, 후회할 일을 만드는 감정으로 생각되어 있다. 심리학자들은 감정을 신호등에 비유하곤 한다. 사람이 급박한 일을 당했을 때, 억울한 일을 당했을 때, 상실을 경험했을 때, 더 나아질 희망이 없을 때 불안, 분노, 슬픔, 우울과 같은 감정들을 통해 이를 알 수 있게 된다는 것. 또한 감정은 논리적인 사고를 통해 하나하나 일처리는 하는 인지적인 방식에 비해 훨씬 많은 스위치를 한 번에 작동하여 빠르게 대처할 수 있도록 하는 장치이다. 자율신경이나 호르몬 계통에 영향을 줌으로써, 자신이 정확히 그 이유를 생각해 낼 수 없는 상황에서도 향후 닥쳐 올 상황에 보다 적극적으로 대처할 수 있도록 도움을 주는 것이다. 그렇다면 과연 분노라는 감정은 어떤 신호와 역할을 하는 것일까? 대부분의 분노는 불공평한 일로부터 자신을 지켜내는 것, 위협을 이겨내는 힘을 갖게 해 주는 것이다. 영화 <터미네이터3>의 중반부에서 존 코너는 지구를 지켜야 하는 막대한 사명을 가지고 미래에서 온 로봇 ‘T-800’(아놀드 슈바제네거 분)의 도움을 받아 스카이넷을 막으려 하지만 더 막강한 로봇 ‘T-x’의 추적을 받으면서 의욕을 상실하게 되고 만다. 그러자 미래로봇 ‘T-800’은 내가 언제 지구를 구하겠다고 했느냐면서 좌절하는 존 코너의 멱살을 잡고 공중에 들어 올린다. 무기력했던 존 코너는 갑작스런 일에 짜증을 내다가 다시 화를 내면서 내려 놓으라고 소리 지른다. 이 때 로봇은 “절망보다는 분노가 훨씬 쓸모 있는 감정이지.”라면서 자신에게 심리학 프로그램밍이 되어 있음을 밝힌다. 이 영화에서도 언급되는 것은 분노가 자신을 지키기 위한 감정이라는 것이다. 우리는 분노라는 감정, 버럭하는 그 느낌에 대해 어떤 자세를 가져야 할까? 감정은 한 번에 많은 스위치를 건드리기 때문에, 참을 수 없는 분노의 상황이라면 일단 자리를 피하거나 찬물을 마셔서라도 상황을 전환시키는 것이 필요하다. 한마디로 조금 진정된 후라면 그 분노가 신호라는 사실을 떠올리고, 그것이 어떤 신호인지를 파악하는 것이 필요하다. 다짜고짜 화를 내는 행동은 마치 신호등에 붉은 등이 들어왔다고 해서 자신이 길을 가지 못하는 좌절감을 차에서 내려 신호등을 걷어차며 화풀이하는 것이지만, 반대로 무조건 참는 것은 붉은 신호등이 들어왔음에도 이를 무시하고 사거리로 진입하게 되는 것이기 때문이다. 분노라는 감정 그 자체는 선도 아니고 악도 아니다. 하나님도 모압 사람들로 인해 우상이 들어올 때 그에 대해 분노하여 가담한 사람을 죽인 ‘비느하스’에 대해 앞서 언급한 모세와는 달리 칭찬하신 일도 있으니 말이다(민 25:7~11). 누구나 작은 일에도 버럭할 수 있다. 그 버럭할 일에 포함된 분노의 상황을 냉정히 평가해야 한다. 분노가 커지면 싸움이 되고 싸움이 커지면 곤혹에 휩싸이게 되기 때문이다. 하지만 분노할 상황이 즉 그 위협이 실제적이고 지속적이어서 강하게 대처하는 것이 옳다면 화를 내야 하는 것이다. 하지만 신호등에서 처럼 빨강 파랑 노랑의 신호에 대한 자각을 할 수 있다면 신호를 받아들일 뿐 무시하거나 약간의 대처로 해결할 수 있는 것이면 참고 부드럽게 해결해야 한다. 다만 이를 구분하는 지혜, 혹시 실수했더라도 자신의 행동을 합리화하지 않는 용기를 가지고 살펴본다면 그 신호의 목적이 정확하게 전달 될 것이다.
관계 회복
우리는 누군가와 사이에서 관계가 악화될 때가 있고 이를 회복하고자 노력하는 경우가 있습니다. 하지만 결론적으로 인간 관계가 악화된 이후 서로에게 ‘제안’은 ‘간섭’으로 ‘의견’은 ‘비난’이란 현실을 사람들은 잘 인정하지 않는 것 같습니다. 이렇게 소원해진 관계가 지속되는 과정에서 소통은 무뎌지고 상대를 이해하기 위해 필요한 의사전달은 부족해지기 쉽습니다. 소통해하는 숙제를 해가야하는 학생처럼 소통을 하지 못하는 것은 숙제를 안한 것처럼 답답한 상황에 직면하게 되고 대화는 한 발짝도 나갈 수 없게 됩니다. 대화가 단절되고 소통을 해내야하는 목적이 분명한 가운데 관계의 대상이자 주체인 자기가 관계회복을 위해 이 대화의 필요성을 느끼고 그 대화를 통해서 어떤 점을 인식해야 되는지를 상대에게 알리는 것 부터 해야 합니다. 즉, ‘나에게는 내가 아직 모르고 있는 어떤 점 때문에 불편해지기 쉬운 관계도 있는 거구나’라고 느껴야 합니다. 그리고 상대에게 진솔하게 이렇게 말을 건네 보셔야 합니다. "언젠가부터 우리 사이가 껄끄럽고 불편해진 것 같다, 의도하진 않았지만 내가 그걸 일으키는 부분도 있을 것 같은데, 이에 대해 솔직히 얘기해주면 좋겠다" . . . . 그리고 상대의 눈을 바라보며, 가능하면 손을 잡고 "우리 어디가서 커피한잔 하면서 이 문제에 대해 솔직하게 너에게 하고 싶은데 잠깐만 시간을 내어 줄수 있니?" 라고 해보세요....
솔직히 피카소 그림 완전 이상하지 않음???
<The Dream>, Pablo Picasso (1932) 피카소의 작품인 <꿈>이다. 소파에 잠들어 있는 여자를 그린 이 그림에 당신은 얼마를 지불할 수 있는가? 천만 원? 1억? 10억? 100억? '그래도 피카소인데...'라며 호기롭게 100억을 부른 사람일지라도 이 그림의 가격을 들으면 놀랄지도 모르겠다. 이 그림의 가격은 1800억이다. 피카소는 많은 사람들을 혼란스럽게 하는 화가다. 아니, 이 잠자는 여자 그림이 뭐라고 1800억이나 한단 말인가? 이 그림이 뭐길래? 아니, 애초에 피카소가 뭐길래!! '잘 그렸다'고는 죽어도 못할 그림만 그리는 피카소에 왜 사람들은 열광하는가? 저 그림 나부랭이에 왜 누군가는 1800억을 갖다 바치는가? 분노 비슷한 감정과 함께 밀려드는 궁금증을 조금이나마 해결해 보자. [I have an apple] 세상은 사과가 바꾼다. 세상을 만들고, 세상을 바꿔온 사과들을 우리는 '인류의 3대 사과'라고 부른다. 인류의 3대 사과 중 첫번째는 이브의 사과이다. 이브는 신의 명령을 어기고 선악과를 먹는다. 이로 인해 에덴동산에서 신처럼 살던 아담과 이브가 인간계로 쫓겨나고, 인류의 역사는 시작된다. (고 전해진다.) 두번째는 뉴턴의 사과이다. 사과나무에서 떨어진 사과를 보고 뉴턴은 만유인력을 발견한다. (고 전해진다.) 세번째는 세잔의 사과이다. "사과 한 알로 파리를 정복할 것이다."라고 외친 화가, 폴 세잔이 그린 사과로 인해 큐비즘이 탄생하고 피카소가 괴상한 그림을 그린다. 그리고 그 덕분에 많은 사람들이 '이딴 게 무슨 작품이야!!'라며 혼란에 빠진다. <Table Corner>, Paul Cezanne (1895~1900) 세잔이 그리는 '사과가 있는 정물화'의 대표적인 유형의 그림이다. 동네 미술학원만 가도 이정도 그림은 발에 채일텐데 이건 또 왜 3대 사과인걸까? 그렇게 잘 그린 것 같지도 않은데 말이다. 게다가 눈썰미 좋은, '이과본능' 투철한 빙글러라면 발견할 발암 포인트들도 상당하다. 1. 빨간 화살표 - 빛의 방향이 다 제각각이다. 빛의 방향이 맘대로다보니 그림자의 방향이 다 다르다. 미대 입시 현장이었다면 찢어버려야 할 그림이다. 2. 파란 선 - 테이블의 끝 선이 맞지 않는다. 테이블이 멀리 있다가 가까이 있다가 한 것처럼 테이블과 시야 사이의 거리가 제각각이다. 미대 입시 채점관이 본다면 뒷목 잡을 그림이다. 3. 노란 선으로 표시한 각도 - 접시가 거의 수직으로 기울어져있다. 저정도 기울어져 있는 접시라면 과일이 다 쏟아지는 게 정상이다. 선배 사과인 뉴턴이 발견한 만유인력의 법칙, 중력도 모르는건가? <Parrot tulips, carnations, columbine, marigolds and other flowers in a woven basket, with shells, peaches, cherries, cranberries, plums, a grasshopper and other insects, on a stone ledge>, Van der Ast 반면 이 그림을 보자. 16세기 네덜란드 화가가 그린, 기가 막히게 사실적인 그림이다. 빛의 방향도 정갈하게 일치하고, 구도도 매우 안정적이며, 모든 물리법칙들도 충실히 구현되어 있다. 그야말로 '잘 그린' 이 그림은 세잔의 그림으로 어지러워진 우리의 심신을 달래주는 느낌이다. (그림 제목이 무식할 정도로 드럽게 긴 것만 빼면 완벽하다.) 빛 방향 엉망, 거리감 엉망, 시야 엉망 물리적, 미적, 조형적 완벽 왜 저런 좋은 그림을 놔두고 세잔의 이상한 그림을 3대 사과에 껴주는 걸까? 세잔의 그림은 한 시점에 나올 수 없는, 제각각인 빛의 방향 때문에 이상하고, 제각각인 거리감 때문에 이상하고, 제각각인 각도 때문에 이상하지 않은가? 이런 불만에 세잔은 대답한다. "한 시점이라고 한 적 없는데??" [진, 선, 미] 미술계에서 당연히 한 시점으로 그리는 걸로 약속됐는데 지 혼자 맘대로 그걸 깬 것이 대단하다는 건가? 아니다. 세잔의 가치는 '한 시점으로 그리는 걸 약속 한 적이 없다'는 걸 깨닫게 해줬다는 데에 있다. 미학의 목표는 예쁘게 그리자가 아니다. 미학의 목표는, 과학과 철학(혹은 윤리)의 목표와 같다. 인간과 세상의 본질을 탐구하는 것이 목표이다. 진/선/미는 고대로부터 인류가 추구해온 가치이다. 무엇이 진리인가? (진) 무엇이 옳은가? (선) 무엇이 아름다움인가? (미)에 대한 탐구가 하나의 세트라는 것이다. 미학은 과학&철학과 세트로 세상의 본질을 파헤치는 것이 목적이고 가치의 근원이다. 따라서 화가는, 그리고 미학은 '한 시점으로 예쁘게 그리자'를 약속한 적이 없다. '세상의 본질을 파헤쳐서 드러내자'를 약속한다. 그 본질과 이치를 잘 표현하던 수단이 예전에는 빛의 방향이었고, 원근이었고, 물리적 안정이었다. 그게 '실제'고 '진리'라고 생각했기 때문이다. 이런 세계적 생각의 흐름을 '사조'라고 한다. 당대의 사람들이 받아들이던 사조에 의문을 던진 게 세잔이다. 진짜 이렇게 생겼어? 이게 진리가 맞아? 그리고 그림을 통해 조곤조곤 질문한다. "본질인데 왜 한 면만 보여줘야해? 여러 면에서 보아야 본질에 더 가깝잖아" "본질인데 왜 한 순간의 모습만 담아? 다음 순간에는 변하는데 그 본질은 왜 표현 안 해?" "저렇게 정적으로 가만히 있다고? 안움직여? 움직이면 다 바뀔텐데?" 세잔은 테이블이 멀 때의 모습도 그리고 가까울 때의 모습도 그린다. 그래서 테이블 끝 선이 맞지 않고 삐뚤빼뚤하다. 세잔은 이쪽에서 본 모습도 그리고, 저쪽에서 본 모습도 그린다. 그래서 과일의 여러면이 다 그려져있고 빛의 방향과 그림자의 방향이 제각각이다. 세잔은 멀리서 비스듬히 본 모습도 그리고, 인스타 음식샷처럼 수직으로 본 모습도 그린다. 쏟아질듯한 접시의 모습은, 비스듬한 전체 구도와 다르게 위에서 내려다 본 접시의 모습을 그렸기 때문일지 모른다. 시간의 변화, 시점의 변화, 장소의 변화, 구도의 변화까지 담아냈다. 좀 더 본질과 진리에 가까우려면 시간, 시점, 장소, 구도의 변화까지도 담아내야 한다는 얘기다. '예쁘진' 않을 지 몰라도 '사조를 바꿔낸' 이 그림이 주장하는 바는 강력하다. 우리가 '사실적'이라며 입이 마르게 칭찬한 그림이 오히려 '진실'과는 거리가 멀다는 것. [세잔이 쏘아올린 작은 사과] 세잔의 기법은 많은 화가들에게 충격과 영감을 준다. 화가들 중에서도 세잔의 말에 격하게 공감하며 "인정? 어 인정!"을 연발하던 화가가 둘 있었다. 그 두 명의 화가가 '브라크'와 '피카소'(드디어!)다. 브라크는 세잔이 이야기한 '본질'을 찾는 방법으로 '기하학적 도형'에 주목한다. 그는 눈에 보이는 그대로가 아니라, 세상의 본질과 진리를 추적하다보면 세상은 결국 기하학적 도형으로 환원된다고 믿는다. '공'하면 축구공, 농구공, 볼링공, 낡은 공, 무거운 공, 노란 공 등등 여러 공을 이야기하지만 본질은 '원'이듯이 말이다. '집'하면 아파트, 주택, 한옥, 양옥, 원룸, 오피스텔, 큰 집, 작은 집 등등 여러 집이 있지만 본질은 '직육면체' 이듯이 말이다. 이런 사상을 가지고 있는 브라크에게 '집'을 그리라고 하면 어떻게 될까? 알록달록 예쁜 집을 그릴 리는 절대 없다. 이런 그림이 니온다. <Houses at Estaque>, Georges Braque (1908) '잘 그렸냐'고 묻는다면 '절대 아니다' 라고 대답하겠지만, 솔직히 집 느낌은 어마무시하게 나는 이 그림이 브라크의 대표작이다. 으음- 그렇구나... 하고 넘어갔으면 좋겠는 이 그림을, 1908년 브라크는 당당하게 살롱 도톤이라는 전시회에 출품한다. 살롱 도톤은 보수적인 미술전에 반발해 시작된 진보적 작품을 위한 미술전으로, 이 미술전의 주최자 중 한명인 마티스는 진보적 미술의 아이콘 같은 사람이다. 하지만 이 진보적인 미술의 아이콘 마티스도 이 작품은 진짜 어처구니가 없다는 듯 이렇게 평한다. "야 이건 그냥 큐브 쌓아 놓은 거 아니냐??" 브라크의 작품을 낙방시키면서 한 마티스의 평은, 입체파(큐비즘)이라는 말의 어원이 된다. 이렇게 용어가 정립되기 바로 한 해 전, 기존의 미술 관습에 정면으로 도전하며 3차원적 그림으로 세상에 충격을 안겨 준 화가가 바로 피카소다. 세잔의 그림이 조곤조곤 의문을 제기하는 느낌이라면 피카소는 아예 고래고래 소리를 지른다. 피카소가 지르는 소리를 자세히 들어보면 다음과 같다. 1. 소재 <Venus of Urbino>, Tiziano (1537~1538) 여성의 누드를 소재로 한 그림은 많지만, 대개 이런 느낌이다. 실제로는 베네치아의 한 귀족을 그린 것이지만 제목은 '우르비노의 비너스'이다. 신화 속 여신 '비너스'를 그렸다는 명분은, 누드를 그려도 속되지 않고 신성한 그림으로서 인식될 수 있게 해 준다. 몸의 곡선과 질감 또한 극도로 이상화된, 여성적 아름다움의 전형을 담고 있다. 이러한 관습에 먼저 돌을 집어 던진 건 '마네'다. <Olympia>, Manet (1863) 마네는 우르비노의 비너스를 모방하며, 여신이 아닌 창녀의 나체를 그린 그림 <올랭피아>를 내어 놓는다. 매혹적인 고개 각도와 표정으로 유혹하듯 바라보는 여신 대신, 세상 귀찮은 표정을 하고 있는 여인을 눕혀 놓았다. 몸의 비율과 형태도 굉장히 사실적이다. 여신이 있던 자리에 드러누운 여성은, 파리의 밤풍경을 적나라하게 드러낸다. 현실에 없는 여신 대신 현실에 있는 창녀가 누웠다. 그림은 좀 더 '진실'에 근접해졌다. 여기에 피카소는 더 큰 짱돌은 집어던진다. < Les Demoiselles d'Avignon>, Pablo Picasso (1907) 피카소의 작품 <아비뇽의 처녀들>이다. <우르비노의 비너스>에 그려진 누드와는 전혀 다른 느낌이다. 이 그림에 등장하는 여성들도 <올랭피아>와 같이 사창가의 여성들이다. 바르셀로나 아비뇽 인근 사창가의 여성들을 소재로 삼은 것이다. '여신의 누드'라는 비현실적인 소재는 '사창가 창녀들의 누드'라는 기분나쁠 정도로 현실적인 소재로 치환되었다. 2. 표현 <올랭피아> 속 여인은 캔버스 밖 관람자를 정면으로 바라보지 않는다. 왼쪽 아래로 흘러내려가 버린 시선은 '도발적인 소재에 비해 위협감을 느낄 정도는 아닌' 분위기를 만들어준다. <아비뇽의 처녀들> 속 여인들은 괴상한 눈으로 관람자를 똑바로 쳐다본다. 기괴한 모습의 처녀들의 삐뚤빼뚤한 눈이 나를 정면으로 응시하는 상황은 강렬한 위협을 선사한다. 도발적인 소재의 도전정신이 최대한 발현되도록 해주는 장치이다. <아비뇽의 처녀들>은 최초의 입체주의 작품으로 평가받는다. 입체주의 작품답게, 멀리서 본 얼굴, 가까이서 본 얼굴, 먼 배경, 가까운 배경, 측면에서 본 모습, 정면에서 본 모습 등등이 어지럽게 뒤섞여 있다. 대상이 가지고 있는 3차원 적인 모든 속성을 쭈욱 늘어놓고, 2차원적 캔버스 안에 재구성한 것이다. 보기 예쁜 것과는 별개로, 기존의 표현양식이 다룰 수 없는 대상의 본질과 진실에 대해 실컷 표현한 작품인 것이다. 기하학적 도형으로의 환원도 드러난다. 그림의 맨 앞에 표현된 과일접시는(처녀들의 모습과는 다르게 위에서 수직으로 내려다 본 인스타 음식샷으로 그려졌다) 도형으로 환원되어 표현된다. 입체주의의 시작을 쩌렁쩌렁 알리는 매우 시끄러운 효시의 역할을 톡톡히 해낸다. 3. 모티프 '기존의 미술이 표현할 수 없었던 새로운 것!'을 찾아 해메던 진보적 화가들에게 '아프리카'는 그야말로 영감의 보고였다. 피카소도 아프리카 미술에 크게 영향을 받은 작가 중 한 명이며, 특히 아프리카 조각 모티프는 그의 회화 곳곳에서 활용되었다. 다양한 시점이 혼합되어 기괴한 느낌을 자아내는 5명의 처녀 중 우측 두명의 임팩트는 특히 남다른데, 이는 아프리카 조각을 처녀의 얼굴형태에 직접적으로 차용한 효과이다. 도전적 소재의 적극적인 활용, 당대의 사조를 때려 뿌수는 표현의 확장, 새로운 영감과 모티프의 활용을 통해 쩌렁쩌렁한 소리를 내지른 피카소. 입체주의를 탄생시키며 회화 역사의 달력을 한 장 넘긴 피카소의 가치에 세계가 주목하기 시작했다. 브라크가 일관성 있게 분석적 큐비즘의 작품세계를 구축한 것과는 다르게, 피카소는 시대와 본인의 멘탈에 따라 다양한 작품세계를 구축해왔다. 여러가지 '색'으로 구분되는 피카소의 파란만장한 작품세계에 대해서는 이후에 서술하기로 한다. **쉽고 재미있는 예술 이야기 ArtStroy Collection 팔로우
결핍
세상에 내 편이 하나도 없는 것 같을 때 나만 사는 게 힘든 것 같을 때... 매일 만나는 상처를 이겨내고 괜찮은 어른으로 살아가는 방법은 무엇일까? 상처를 피할 수 있는 사람은 아무도 없다. 중요한 것은 어쩔 수 없이 받게 되는 상처에 대처하는 방법이다. 아무리 기분 나쁜 상처일지라도 그것을 받아들일지, 받아들이지 않을지는 우리의 선택에 달려 있기 때문이다. 특히 가까운 사람들이 던진 사소한 말 한마디에 쉽게 상처받고, 세상이 주는 상처에 아파하는 것이 우리들이다. 이때 나 자신을 존중하고 사랑하는 근본적인 치유법을 알아차려야 한다. 마치 모래성을 쌓고 깃발을 꼽고 그리고 백사장 모래를 나의 편으로 쓸어 담으면서 깃발이 상대편에서 쓰러지게 모래를 아슬 아슬하게 가져오는 것이 상처를 받거나 주는 과정과 동일하다. 이때 우리는 스스로를 일깨워야 한다.스스로 힘주어 말해야 한다. 사람은 누구나 상처를 다루는 법을 모르지 않는다. 자라면서 형제와 다투면서, 친구를 만나고 어른이 되어 가면서 결코 혼자인적이 없었기 때문에 누구나 상처를 주거나 받는 법을 알고 있다. 그래서 결국은 상처를 이기려면 사람들 속으로 들어가 그 가운데서 나름의 방법으로 섞여 살면서 세상에 대하여 사람에 대해서 직업과 직장에 관하여 우리는 사람들과 얽히고설켜 살며 상처와 고통과 씁슬함을 체화해 나가야 한다. 즉, 누구나 사람에게서 희망과 사랑만을 배울 수 없으며 누구나 똑같은 상황에서 각기 다른 방법으로 때론 거짓과 미움 또 실망과 체념도 깨우쳐 나간다. 그렇게 우리는 결핍을 채우듯 상처를 배워 나가야 한다. 내가 몸으로 마음으로 겪은 꼭 그만큼만 알 수 있는 것이 바로 상처를 다루는 법이기 때문에 우리는 상처가 준 상처의 흔적에서 자유로울 수 없고 그것이 다른 상처의 원인이 되기 때문에 라도 상처를 견디는 방법을 익혀야 한다.
관계 회복법 -인식-
우리가 살면서 놓치고 가는 것 중에 하나가 사람과의 관계에 대하여 쉽게 생각하고 잊고 가는 것이 있다. 그것이 바로 상호작용으로 이뤄진 그 상대과의 관계이다. 말로는 하지 않고 거리감으로 느낄 수 있는 관계. 기분이 나쁘면 나쁘라고, 싫으면 무엇이 어떻게 싫고, 왜 그런지 알려주면 알수 있는 그 관계. 그러나 세상 무서운 것은 그 표현을 받지 못 해서 그 사람과 내가 어떤 관계 인지 모르고 평상시 처럼 그 사람에게 대할 때가 있다. 이것을 심리학에서는 "관계의부조화" 라고 한다. 내가 생각하고 행동한 것에 대해 상대가 반응을 하지 않고 감정을 드러내지 않으면서 시큰둥한 것을 느낄 수 있으나 상대에게 직접적으로 관계 개선을 호소 할 지 말 지 결정의 시기가 다가 올 때가 생각보다 많다. 즉, 그 사람이 생각하고 행동한 것에 대해 나도 반응을 하기 때문에 나 또한 무엇인가 냉냉한 기분을 느끼고 모른척 하고 그 관계를 돌아보지 않게 된다. 그리고 이런 반응들이 쌓이고 쌓여 관계가 형성된다. 이런 상태를 우리는 '데면 데면’ 이라고 한다. 일상에서 수없이 이루어지는 반응들 속에서 관계가 구축되는데 사이가 좋았다가 최근들어 ‘데면데면’ 하는 사이가 늘고 그러면서 내가 준 상처가 내가 받은 상처와 등가되어 관계를 회복하기 보다는 잊고 사는 것이 편하다는 것을 선택하게 된다. 결국 상대에 대해 내가 생각하고 행동하는 것들이 쌓여 관계가 이루어지고 그것이 고착화된다. 이때 상대를 향한 나의 생각과 행동,그리고 그에 대한 반응들이 바로‘관계’의 전부다.관계는 절대로 일방적이지 않다.관계는 곧 상호 작용이다.관계는 추상적이거나 피상적이지 않다.관계는 서로의 생각과 행동에 대한 구체적인 반응들로 이루어진다. 내가 누군가에게 어떻게 행동하든 그런 행동들에 대한 반응이 모여 관계가 형성된다.어쩌면 관계가 상호 작용이라는 사실은 우리에겐 굉장히 좋은 소식이다. 깨어진 관계도 내가 어떻게 행동하느냐에 따라 다시 회복될 가능성이 있기 때문이다.